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Auf dem Filmfestival 2011 in Cannes schaffte es ein stumpfer amerikanischer Actionsfilm zum Publikumsliebling zu avancieren. Der sei nämlich gar nicht so stumpf, sondern eher hip, cool und im 80er-Jahre-Gewand bis zum letzten Fitzelchen Zelluloid durchkonzipiert. Hinter jeder Kameraeinstellung, hinter jeder in akribisch genauer Dreharbeit verstecke sich Tiefgreifendes, Unersichtliches ja sogar Philosophisches. 

Da ist der Fahrer. Der Fahrer, gespielt von Ryan Gosling, neuer Star des Art-House-Kinos, der neuerdings auch von Großstadtmädchen mit Avantgardestudium umschwärmt wird. Dass diese Entwicklung verwundert, ist auf die Tatsache zurückzuführen, dass Gosling seine zweifelhaften Schauspielkünste als Teil des berühmten Mickey-Mouse-Clubs erlangte. Seite an Seite mit Sänger- und Schauspielkollege Justin Timberlake gab der Kinderstar damals Lieder wie “Wake Up Everybody” zum Besten und versetzte ganz Couch-Amerika in kindliches Verzücken. 

Im Action-Epos “Drive” geht Gosling dagegen schweigsamer vor. Die Handlung lässt sich schnell zusammen fassen. Gosling ist der Driver, schweigt, fährt neben seinem Werkstattjob Fluchtfahrzeuge, schweigt wieder, während er in einer opulenten Verfolgungsfahrt Blechschäden verursacht, schweigt ein bisschen weniger als er die nette Nachbarin Irene mitsamt ihrem süßen Sohn kennen lernt, schweigt noch weniger, als er seine Angebete mit erstaunlicher Gewalt vor Ex-Mann und finsterem Unterweltschergen beschützen muss. 

Mangelnde schauspielerische Leistung wird hier durch ein ästhetisches Konzept kompensiert, welches mit Handkuss von den Kritikern der Welt aufgenommen wird. Aus einer in Zeitlupe gefilmten, kristallklaren HD-Einstellungen des Überangebots eines Supermarkts lassen sich doch so herrlich Gesellschafts- und Konsumkritik ableiten. 

Goslings verzögerte Reaktionen, seine Macho-Attitüde und sein patriarchalischer Beschützerinstinkt sind keineswegs Produkte eines flachen Drehbuchs, sondern sind unbedingt als existenzialistische Grundhaltung gegenüber einer aus dem Ruder geratenen Welt aufzufassen. 

Solange der hippe Synthie-Song von Desire mit hoher Frauenstimme zum richtigen Zeitpunkt erklingt, wird aus einer überflüssigen Gewaltausbruch höchste urbane Filmkunst.

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Die Serie New Girl hat in Amerika bereits große Erfolge gefeiert. Die Sitcom wird in den USA schon seit September letzten Jahres ausgetrahlt und hat sich dort als Überraschungshit entpuppt.

Nun kommt sie auch zu uns nach Deutschland. Zur Story: Die Hauptdarstellerin Jess, eine junge neurotische Lehrerin mit vielen Macken und dem Drang ständig zu singen, will ihren Freund mit einem kleinen Striptease zuhause überraschen. Als er die Schlafzimmertür von innen öffnet stellt sich heraus, dass er seinen Spass bereits mit einer anderen hat. Jess packt wutentbrannt einige Sachen zusammen und sucht umgehend nach einer neuen Bleibe. Zeitgleich halten die drei Jungs Nick, Schmidt und Winston gerade Ausschau nach einem vierten WG-Mitbewohner. Mit einem kleinen Trick schafft Jess es die Jungs für sich zu gewinnen. Als sie nämlich von ihren Modelfreundinnen erzählt, ist ihr das neue Zimmer schnell sicher. Diese Entscheidung bereuen die drei Jungs jedoch gleich am nächsten Tag, denn Jess wird von ihrem Liebeskummer eingeholt und verbringt den Tag laut heulend, schniefend und Dirty-Dancing-guckend auf der WG-Couch.

Und trotzdem raufen sie sich natürlich zusammen. Die überdrehte Jess schließt die drei Single-Männer schnell in ihr Herz und auch andersherum klappt das ziemlich schnell. Jeder hat so seine Problemchen und bekommt Tipps oder einfach nur ein Ohr zum Zuhören vom anderen.

Der Erfolg der Serie lässt sich sicher auf die Hauptfigur, Jess, zurückführen. Sie steht für junge Frauen, die einfach irgendwie anders sind. Verrückt, chaotisch und manchmal auch nervend, aber eben trotzdem liebenswert auch ohne sich zu verbiegen. Denn genau das ist es was Jess am Herzen liegt, sie will so sein wie sie ist.

Seit Januar darf nun jeden Mittwoch ab 21.15 Uhr auf Pro 7 gelacht werden. Der Humor der Sitcom trifft den Nerv der Zeit und schon nach ein paar Folgen geht es uns Zuschauern ähnlich wie den 3 Jungs aus der WG – Wir haben Jess und ihre Darsstellerin Zoey Deschanel in unser Herz geschlossen und freuen uns auf neue Folgen.

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Wer würde nicht gerne einen eigenen Film produzieren? Während die deutsche Fernsehlandschaft immer abgeschmackter und ideenloser daherkommt, kribbelt es so mancher Hausfrau in den Fingern, sich slebst mal an die Realisierung eines Kinofilms in Spielfilm länge zu wagen. Was aber für Kosten in einem solchen Projekt stecken, davon dürfte sich wohl kaum jemand eine genaue Vorstellung machen.

Anders als in den USA trägt ein deutscher Produzent so gut wie gar keine Verantwortung. Während er in den USA selbst mit mindestens einem drittel finanziell mitbeteiligt wäre, kassiert der deutsche Produzent ohne Risiko. Als Regisseur heißt das, dass man bestenfalls selber die Summe auftreibt. Es gibt immer wieder Firmen und Unternehmen, die einen Film, für den Fall, dass man einen guten Businessplan konzipiert hat, mit finanzieren. Wem dann aber immer noch ein satter Betrag fehlt, der kann sich an Künstlerkassen oder andere Kreditunternehmen wenden.

Vorteil für die Studenten mit Filmambition: hier gibt es noch die Möglichkeit einer Kreditfinanzierung über die KfW. Aber auch unzählige ander Unternehmen bieten ihre Dienste im Internet an. Idealerweise macht man ein Beratungsgespräch aus. Da ist gerade in der Frühphase der Planung ein persönliches Kreditangebot, beispielsweise bei einem privaten Kreditvermittler, eine gute Einstiegsfinanzierung, um Ideen, Stoffe und Drehbücher entwickeln zu können. Mit etwas Geld im Rücken, lässt es sich leichter kreativ sein, als wenn einem das Inkassobüro oder der Pfändungsanwalt auf den Fersen sitzt. Wer Glück hat, spielt mit seinem Projekt sogar etwas ein und hat das Geld nicht umsonst ausgegeben.

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Auch “The Ideas of March” erzählt von Verrat, Idealismus, Korruption und der dunklen, verführerischen und verbiegenden Kraft der Macht. Meyer muss im Vorfeld der Vorwahlen von Ohio feststellen, dass sein Idol und Held Morris alles andere als ein moralischer, konsequenter und unbestechlicher Politiker ist. Los geht es mit Affären mit Praktikantinnen, schließlich wird Morris völlig unterlaufen und korrupt. Seine eigene Eitelkeit, sein Ehrgeiz und seine überzogenen Ansprüche lassen ihn scheitern und zum schmuddeligen, kaufbaren Politiker abstumpfen.

Das Dickicht aus Intrigen und Wahlkampf-Psychologien ist für einen Amerikaner sicherlich spannender anzusehen als für einen Deutschen – vor allem, da es Clooney nicht gelingt, das Drama aufregend zu inszenieren. “The Idles Of March” ist ein soilder Film, nicht mehr und nicht weniger. Die Message des Streifens steht in aufklärerischer Tradition. Vielleicht vermag dieser Film so manchem Amerikaner die Augen zu öffnen: Sapere aude – habt Mut euch euren eigenes Verstandes zu bedienen und glaubt den Politikern nicht einfach alles!

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Für viele Familien in Deutschland gibt es an Sonntagabenden seltenst Diskussionen über die Wahl des abendlichen Fernsehprogramms. Denn wenn im ersten Fernsehprogramm um Viertel nach Acht das weisse Fadenkreuz über einem menschlichen Auge erscheint ist es wieder Zeit für den Tatort.

Die Kriminalreihe erfreut sich auch noch nach über 40 Jahren in der sie schon über die deutschen Fernsehschirme flimmert äußerster Beliebtheit bei Jung und Alt.  Der Tatort ist die am längsten laufende und (vertraut man auf die Einschaltquoten) auch beliebteste Kriminalserie Deutschlands.

Sie kann als direkter Nachfolger der “Stahlnetz-Krimis” gesehen werden. Gunter Witte entwickelte das Konzept für die Serie, welches vorsah den finanziellen Aufwand, den eine große Krimireihe bedeutete auf die verschieden regionalen ARD-Anstalten zu verteilen. Diese Anstalten sollten jeweils Folgen produzieren, die in ihrem eigenen Sendegegebiet spielen.

Die erste Folge vom Tatort wurde am 29. November 1970 unter dem Titel “Taxi nach Leipzig” ausgestrahlt. Walter Richter mimte den Kommissar Trimmel. Überhaupt ist der Kommissar der zentrale Angelpunkt einer jeden Folge. Die Entwicklung der Charaktere, die über viele Folgen in ihren jeweiligen Städten ermittelt wird in Nebenplots ständig voran getrieben. Die Handlung wird realitätsnah und vorstellbar gehalten. In den meisten Folgen wird versucht Emotionen wie Hass, Verzweiflung, Misstrauen filmisch umzusetzen, um eine starke emotionale Reaktion im Zuschauer auszulösen, die Spannung aufbaut. 

In vielen Folgen werden aktuelle gesellschaftliche Probleme aufgegriffen . So wird dem Tatort mittlerweile eine ausserordentliche gesellschaftspolitische Bedeutung zugeschrieben, die sogar geisteswissenschaftlich untersucht wurde. 

Die Handlungsorte der Reihe sind über ganz Deutschland verstreut, meistens spielen sie aber in Großstädten. Schauplätze sind unter anderem München, Hamburg, Köln, Berlin oder Münster. 

Weiei gibt zu, seinen Assistenten vor knapp zwei Jahren beauftragt zu haben, die Fotografien zu machen. Doch für Pornografie hält er diese Abbildungen nicht: Er agrumentiert, Nacktheit könne nicht mit Pornografie gleichgesetzt werden. Und in der Tat zeigen die Fotos keine sexuelle Posen, noch nicht einmal Andeutungen. Weiwei verweist weiter auf den moralisch verlogenen Zustand Chinas. Auf der einen Seite, so Weiwei, wäre das Land völlig korrupt und sexualisiert, auf der anderen Seite würden Nacktfotos im Internet direkt den Stempel Pornografie aufgedrückt. Sprichwörtlich gesagt sollte China nach Weiwei erst einmal vor der eigenen Haustür kehren.

Los mit dem Streit zwischen Weiwei und der übermächtigen chinesischen Staatsmacht ging es nach dem Erdbeben in der Provinz Sichuan 2008. Zahlreiche Schulen waren damals eingestürzt, Weiwei forderte öffentlich eine unabhängige Untersuchung für die Gründe dieser Katastrophe. Anfang April diesen Jahres wurde er wegen angeblichen Steuerbetrugs festgenommen und drei Monate ohne Anklage an einem unbekannten Ort gefangen gehalten. Schließlich wurde er zu einer Strafe von rund 1,7 Millionen Euro verurteilt. Der Wirbel um die international verurteilte Festnahme machte Weiwei und seine Skulpturen, Fotografien und Installationen auf der ganzen Welt sehr bekannt und nachgefragt. Vergangenen Monat zeichnete ihn das Fachmagazin “Art Review” gar als einflussreichsten Künstler der Welt aus. Und den gibt es im Internet sogar nackt zu bewundern – was für Weiwei selbst allerdings kein lustiger Umstand mehr ist.

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Die Regisseurin Anna Justice erzählt in “Die verlorene Zeit” eine unkonventionelle Liebesgeschichte. Denn Protagonisten des Films sind zwei Auschwitz-Flüchtlinge, die deutsche Jüdin Hannah Silberstein und des polnischen KZ-Kapos Tomasz Limanowski. 
Der Film wird in Rückblenden erzählt. Mittlerweile lebt Hannah mit ihrem Mann in New York, im Jahr 1976. Alice Dwyer, die Hannah spielt, lässt ihre Figur vom Selbstschutz erkaltet und unnahbar auftreten. Sie spricht kein Deutsch mehr. “Impossible. Did you notice, my love, that I almost never use that word?”, schreibt Hannah auf Englisch. Doch dann sieht sie den totgeglaubten Tomasz Limanowski in einer Fernseh-Talkshow und die Erinnerungen treten aus der Verdrängung hervor. Die Ereignisse im Jahr 1944 lassen Hannah nicht mehr los und sie beginnt, nach Tomasz zu suchen. 
Damals flüchteten die beiden in das Elternhaus von Tomasz, doch seine verbitterte Mutter will die Jüdin aus Selbstschutz nicht aufnehmen. Die Kameraführung ist nervös, wie im Lager. Die Atmosphäre ist beklemmend, der Zuschauer entwickelt Verständnis für die einzelnen Charaktere. Denn unter Todesangst entstehen seltsame Freundschaften, aber auch Feindschaften, die Schwachen intrigieren gegen die noch Schwächeren, der Mensch bleibt in Extremsituationen Mensch, zeigt das Beste und das Schlechteste. Die einzige Schwäche des Films findet sich hier, denn das Handeln der Personen überrascht nicht, alles ist nachvollziehbar. Andererseits muss das Verständnis für diese Charaktere, die so viel durchmachen, auch endlos sein. 
Zurück in die Filmgegenwart: Es gelingt Hannah tatsächlich, die Telefonnummer eines Tomasz Limanowski in Polen rauszufinden. Der Film hört leider viel zu früh auf, denn der Mann am anderen Ende der Leitung behauptet: “Hannah Silberstein ist tot.”

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Irgendwo zwischen “Rocky”, “I Robot” und “Transformers”: Im neuen Kino-Hit “Real Steel” trainiert der gesellschaftlich nicht sehr angesehene Hugh Jackman Kampfroboter. Doch plötzlich bekommt sein Sohn Probleme und der Underdog muss sich echten Problemen anstatt der technischen, virtuellen Welt zuwenden.

Für den düsteren Zukunfts-Film adaptierte Shawn Levy eine Kurzgeschichte von Richard Matheson. Diese diente bereits Anfang der 60iger Jahre als Vorlage für eine Folge der mittlerweile legendären TV-Serie “The Twilight Zone”. Auch in “Real Steel” werden zeitgenössische Phänomene mit Zukunftsvisionen interessant verwoben: Auf der einen Seite die übermächtigen Kampfroboter, auf der anderen Seite dreckige Kleinstädte und verrottete Fabrikkomplexe. Denn obwohl die Technik große Sprünge gemacht hat, genießen nur wenige Menschen diesen Fortschritt: Viele wurden links liegen gelassen und trotten auf dem Fleck – gar nicht so anders wie etwa seit der Großen Depressionen in den 1930er Jahren. Irgendwie scheint der Film auch eher im goldenen Zeitalter als im modernen Action-Kino beheimatet zu sein – dank Retro-Look und trotz hochmodernen Animationen.

Zum Inhalt: Der Boxer Hugh Jackman, gespielt von Charlie Kenton, war einst ein aufstrebender Boxer. Doch nach nur einem großen Kampf wird der Boxsport für Menschen verboten. Jackman muss um sein Überleben bangen und beginnt, mit Kampfrobotern durch Jahrmärkte oder illegale Boxclubs zu touren. Jackman hat einen Sohn, Max, dessen Mutter kürzlich verstorben ist. So bekommt Jackman einiges an Geld, muss sich aber auch zumindest ein paar Wochen lang um Max kümmern, für den er sich eigentlich nie interessierte. So lernen die beiden schließlich doch einander und Werte wie Verantwortung und Liebe kennen. Manchmal sind die emotionalen Momente des Films reiner Kitsch und viel zu stark überzeichnet – doch vor allem der abgeklärte und sachliche Hugh Jackman rettet den Film davor, ein lauwarmes Familien-Drama zu sein.

Man hält Schakespeare für den Erfinder des größten literarischen Werkes aller Zeiten. Er schrieb den verrätselten Hamlet, den grausamen Macbeth, den verzweifelnden Lear. Unter seiner Feder entstanden ganze 37 Dramen, in denen nicht nur die englische Sprache sondern womöglich ein neues Bild des Menschen erfunden wurde. In seinen Dramen erfand er zudem die Vielbödigkeit, um ein Geschehen durch ein anderes zu kommentieren und dadurch Klarheit zu schaffen. Auch wunderbare Sonette schrieb er – seine Liebesbetörungen in vollendeter Form werden heute noch von Verliebten zitiert.

Nur weiß man leider nicht, wer William Shakespeare war – war er etwa der Sohn eines Handschuhmachers aus Stratford? Oder war er vielleicht ein Edler namens Edward de Vere (1550 bis 1604), der 17. Earl of Oxford? Oder haben wir diese Werke gar einem Unbekannten zu verdanken?

In der Tat gibt es fast keine Zeugnisse über Shakespeare. Nur so viel weiß man: Er wurde 1564 geboren und starb 1616. In der Zwischenzeit war er der Ehemann von Ann Hathaway und Vater von drei Kindern. Ein Paar Urkunden sind noch erhalten und ein Name auf der ersten Folioausgabe von 1623. Für die Jahre 1585 bis 1592 existieren keine Belege. Der Name Shakespeare wurde in mindestens sechs Versionen niederlegt, Shakesp, Shakespa, Shakespere, Shakspere, Shakespeare. Ist der Dichter Shakespeare also doch eine Fantasiegestalt derer, die ihn als Dichter sehen möchten?

Diese vielen Fragen greift auch der neue Film von Roland Emmerich “Anonymous” auf. Und gibt sogar eine lärmende und amoröse Antwort darauf. Wenn Sie sich auf die Suche nach dem geheimnissvollen Schakespeare begeben wollen, können Sie den Anfag tun und sich den Film anschauen. 

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Unser Favorit war eindeutig der Gruselfilm “Paranormal Activity 3″. Mit dem ersten Streifen ”Paranormal Activity” ist es dem US-amerikanisch-israelischen Filmemacher Oren Peli schon im Jahr 2009 gelungen, einen Film mit einem Budget von 15.000 US-Dollar zu drehen und mehr als das Zehntausendfache einzuspielen. Ein Jahr wurde durch den zweiten Teil des Gruselfilms bewiesen, dass der Überraschungserfolg aus 2009 kein Ausrutscher war. In den USA ließ nun der dritte Streifen der Reihe die Kassen sogar kräftiger klingeln als seine zwei Vorgänger.

Mit “Paranormal Activity 3″ setzen die Macher die Handlung der zwei Vorgänger nicht fort. Stattdessen werden die Zuschauer durch im Keller gefundene VHS-Kassetten ins Jahr 1988 geführt, in die Kindheit der Schwestern Katie (Chloe Csengery) und Kristi (Jessica Tyler Brown), die den Zuschauern bereits aus den ersten beiden Teilen bekannt sind. Die beiden Mädchen leben gemeinsam mit ihrer Mutter Julie (Lauren Bittner) und deren neuem Partner Dennis (Christopher Nicholas Smith). Dennis verdient seine Brötchen als Macher von Hochzeitsvideos. Auch die Familie filmt er ziemlich häufig. In der Vergangenheit der Familie ging nicht alles mit rechten Dingen zu – immer wieder wurde der Frieden im Haus durch unerklärliche Schatten oder Knarren gestört. Auch der unsichtbare Freund der kleinen Kristi warf eine Menge Fragen auf. Deswegen beschloss der Vater damals, das Haus mit Kameras zu bestücken – in der Hoffnung, den Dingen auf den Grund zu gehen. Das Gruselkabinett ist also eröffnet!

Die Story bleibt recht dünn und wirft eher Fragen auf als sie zu beantworten. Dabei werden die Charaktere nur skizzenhaft dargestellt, die Hintergründe nur angedeutet. Genau wie auch seine Vorgänger bietet “Paranormal Activity 3″ den Zuschauern einen gut gemachten Geisterbahn-Horror. Die Mittel, die die beiden Regisseure Henry Joost und Ariel Schulman dazu einsetzen, sind recht einfach: Auf das genretypische Blutgemetzel hat man verzichtet. Stattdessen wird immer wieder von einer Überwachungskameraperspektive zur nächsten geschaltet, während die Zuschauer auf das nächste Auftauchen des Poltergeists warten. Dann werden endlich einige Schockmomente geliefert – durch eine rotierende Kamera, die Wohnzimmer und Küche im Wechsel erfasst. Dabei macht gerade die Plötzlichkeit der Ereignisse den besonderen Nervenkitzel aus.